10 неизвестных: век Марка Шагала
Марк Шагал «Над городом», 1918
По понедельникам большинство московских музеев не работают. Но это не значит, что у публики нет возможности познакомиться с прекрасным. Специально для понедельников редакция m24.ru запустила новую рубрику «10 неизвестных», в которой мы знакомим вас с десятью произведениями мирового искусства, объединенных одной тематикой. Распечатывайте наш гид и смело отправляйтесь с ним в музей, начиная со вторника.
Отныне целый зал Третьяковской галереи на Крымском Валу отведен Марку Шагалу: впервые после реставрации здесь выставили весь цикл панно, созданных великим авангардистом для Московского еврейского театра, а также одно из самых известных произведений художника «Над городом».
Марк Шагал «Введение в театр», 1920
В постоянной экспозиции Третьяковской галереи живописных работ Марка Шагала совсем немного – всего 12. Зато теперь, до конца лета, здесь можно увидеть цикл панно, созданных художником для Московского еврейского камерного театра. Цикл был создан в 1920 году, многократно переезжал вместе с театром, а когда в 1949 году он был закрыт, картины попали в Третьяковскую галерею и очень долго ждали реставрации. Когда Шагал приезжал в Москву в середине 1970-х, он был удивлен, что после всех перипетий, связанных с судьбой театра, работы вообще удалось сохранить. Художник подписал полотна, после чего они были отправлены на реставрационные работы. Обновленные картины отправились в выставочное турне по 45 городам и теперь наконец-то оказались дома. Правда ненадолго – уже осенью они будут представлены на большой выставке в Канаде.
Марк Шагал «Музыка» («Бродячий музыкант»), 1920
Шагал получил заказ на оформление декораций, едва вернувшись из Витебска, где он преподавал вместе с Казимиром Малевичем в художественном училище. За два месяца художник создал девять работ, но на сегодняшний день сохранилось лишь семь. В книге «Моя жизнь» мастер писал: «Вот возможность перевернуть старый еврейский театр с его психологическим натурализмом и фальшивыми бородами. Наконец-то я смогу развернуться и здесь, на стенах, выразить то, что считаю необходимым для возрождения национального театра». Нужно сказать, что несмотря на настоящую борьбу Малевича и Шагала за переустройство образовательной художественной системы, художники оказали друг на друга сильное влияние в плане живописи и рисунка. Соперничество с Малевичем, а также тот факт, что Шагал долго жил и работал в среде французских авангардистов являются ключом к пониманию его живописной системы.
Марк Шагал «Часы», 1914
Мойша Сегал родился в Витебске 7 июля 1887 года в простой еврейской семье. В 19 лет он поступил в «Школу живописи и рисунка художника Пэна», а уже через год переехал в Санкт-Петербург. Здесь он начинает посещать рисовальную школу при обществе поощрения художеств, художественную студию С. М. Зайденберга и школу Е. Н. Званцевой, где преподавал кумир Шагала – Лев Бакст. Оказавшись в бурлящей художественной среде, он знакомится с западными художественными течениями – французским фовизмом, немецким экспрессионизмом, итальянским футуризмом. Под псевдонимом Марк Шагал художник начнет работать только в 1911 году. Объединив в своей живописи актуальные тенденции, еврейские и автобиографические мотивы и глубокую лиричность, Шагал сумел стать одним из лидеров мирового авангарда. Огромную роль в судьбе молодого художника сыграл депутат I Государственной думы Максим Моисеевич Винавер, который обеспечил Шагалу ежемесячное пособие, на которое тот смог уехать в Париж. Приехав во Францию, художник поселился в «Улее», где жила вся нищая артистическая интеллигенция того времени.
Марк Шагал «Венчание», 1918
Шагал постоянно переезжал между Санкт-Петербургом, Москвой и Витебском, а в 1910 году он отправился в Париж, где в то время на пике славы находились Пабло Пикассо, Амедео Модильяни, Анри Матисс. Но где бы он ни был, Шагал постоянно обращался к теме родного города и еврейских традиций. Летом 1909 года, находясь в Витебске, художник познакомился с Беллой Розенфельд, дочерью ювелира. Он вспоминал: «. Она молчит, я тоже. Она смотрит – о, ее глаза! – я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне все: мое детство, мою теперешнюю жизнь и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел ее в первый раз. И я понял: это моя жена.» С тех пор Белла Розенфельд стала его музой и главной героиней многих картин.
Марк Шагал «Над городом», 1918
Картина «Над городом» стала одним из самых узнаваемых произведений Шагала. На ней художник изобразил себя вместе со своей супругой Беллой Розенфельд, пролетающими над Витебском. Метафоричность возвышенных чувств и краткости бытия оказались ведущими темами в живописи Шагала. И со временем этот сюрреалистично-экспрессионистский мотив становился все более декоративным и свободным. Но при этом вид маленького провинциального родного города всегда оставался неизменным, что тоже, безусловно, имело символический характер.
Марк Шагал «Парикмахерская», 1914
Еще одним живописным мотивом в творчестве Шагала стала повседневная жизнь. Он изображал улицы Витебска, его жителей. Огромная часть его воспоминаний, записанных в книге «Моя жизнь», посвящены матери, отцу, бабушке и дедушке. Через живописные сравнения с великими авторами и произведениями Шагал вспоминает их жизнь до невероятных мелочей: «Дед любил задумчиво слушать его. Один Рембрандт мог бы постичь, о чем думал этот старец – мясник, торговец, кантор – слушая, как сын играет на скрипке перед окном, заляпанным дождевыми брызгами и следами жирных пальцев», или: «Другой мой дядя, Зюся, парикмахер, один на все Лиозно. Он мог бы работать и в Париже. Усики, манеры, взгляд. Но он жил в Лиозно. Был там единственной звездой. Звезда красовалась над окном и над дверями его заведения. На вывеске – человек с салфеткой на шее и намыленной щекой, рядом другой – с бритвой, вот-вот его зарежет».
Марк Шагал «Раненый солдат», 1914
Летом 1914 года художник приехал в Витебск, но в сентябре 1915 года Шагал уехал в Петроград, поступил на службу в Военно-промышленный комитет. Во время Первой мировой войны художник вынужден был оставаться в России. Вскоре при содействии Анатолия Васильевича Луначарского он получил должность уполномоченного по делам искусств в Витебской губернии, где и основал Витебское художественное училище, куда пригласил преподавать своего учителя Юделя Пэна, своего ученика Эль Лисицкого и Казимира Малевича. В 1920 году Шагал уехал в Москву выполнять заказ для Московского еврейского театра, а потом и в Париж, где при содействии великого мецената и коллекционера, покровителя кубистов Амбруазо Воллара получил французское гражданство.
Марк Шагал «Окно на даче», 1915
Те несколько лет, проведенные художником в Витебске, стали самыми реалистическими в отношении живописи. Шагал создал целую серию картин и графических работ, на которых изображены мотивы провинциальной витебской жизни, очищенные от символизма. Позже, переехав в Париж, он называл этот город своим «вторым Витебском», но никогда не изображал его в подобной манере. Он писал: «Я всего-то и видел Петроград, Москву, местечко Лиозно да Витебск. Но Витебск – это место особое, бедный, захолустный городишко. Там остались девушки, к которым я не смог подступиться – не хватило времени или ума. Там десятки, сотни синагог, мясных лавок, прохожих. Разве это Россия? Это только мой родной город, куда я опять возвращался».
Марк Шагал «Вид из окна. Витебск», 1915
«Именно в этот приезд я написал витебскую серию 1914 года. – вспоминал Шагал. – Писал все, что попадалось на глаза. Но только дома, глядя из окна, а по улицам с этюдником не ходил. Мне хватало забора, столба, половицы, стула.» Когда спустя полвека в 1964 году Шагал расписывал плафон парижской «Опера Гарнье», это был художник совершенно другого масштаба. Из витебского еврейского живописца он превратился в великого мастера мировой величины.
Марк Шагал «Ландыши», 1916
Марк Шагал умер 28 марта 1985 года, прожив 97 лет. Он стал свидетелем двух мировых войн, революций, расцвета и краха супрематизма и русского авангарда вообще, триумфа Энди Уорхола и поп-арта, пережил Мэрилин Монро и группу «Битлз», оставаясь при этом художником, сохранившим традиционное понимание живописи и искусства. И то, что сегодня хотя бы малую часть его работ, которые находятся в крупнейших музеях мира, можно увидеть в Москве – невероятная удача.
ГМИИ им. А.С. Пушкина: картины и экспонаты
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков располагается в бывшей московской усадьбе князей Голицыных, которая сейчас стала одним из корпусов Пушкинского музея. Здесь выставлены работы знаменитых европейских и американских художников: Пабло Пикассо, Анри Руссо, Эдгара Дега, Эжена Делакруа и многих других.
Мы выбрали для вас картины Марка Шагала, Клода Моне, Жана Огюста Доминика Энгра, Пабло Пикассо и Эдварда Мунка. Читайте о них, нажимайте на точки интереса в приложении Artefact и узнавайте, почему Шагал часто писал свою жену парящей в воздухе, какое событие повлияло на живопись Пикассо и какая картина Мунка стала самой дорогой после его «Крика».
Марк Шагал. «Ноктюрн (Ночная сцена)»
Марк Шагал написал картину «Ноктюрн (Ночная сцена)» в 1947 году, вскоре после смерти горячо любимой жены Беллы Розенфельд. Они прожили вместе почти 30 лет. Художник писал о жене: «Долгие годы ее любовь освещала все, что я делал». Без ее одобрения он не заканчивал ни одну свою работу. Белла стала моделью для большинства женских образов в творчестве Шагала: именно ее он изобразил на картинах «Голубые любовники», «Акробатка», «Свадьба», «Белла в белых перчатках». На знаменитых полотнах «Прогулка», «День рождения» и «Над городом» Марк Шагал выразил свои чувства к жене: он изобразил себя и ее парящими в воздухе.
Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой, как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке… Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком. Вот запрокинул голову и повернул к себе мою. Вот коснулся губами моего уха и шепчешь… И вот мы оба, в унисон, медленно воспаряем в разукрашенной комнате, взлетаем вверх. Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла. Там синее небо, облака зовут нас. Из книги Беллы Шагал «Горящие огни»
На картине «Ноктюрн» Шагал тоже изобразил Беллу в полете: огненно-красный конь несет ее по ночному небу. Ряд домов внизу — это Покровская улица в Витебске, родном городе художника. Именно здесь Шагал жил с Беллой после свадьбы.
Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин (Марди-Гра). Зал 15.
Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Это картина Поля Сезанна “Пьеро и Арлекин”. Другое название картины – “Марди-Гра”.
Марди-Гра – это очень популярный праздник в Европе и Америке. Наподобие нашей Масленицы. Он тоже посвящён встрече весны.
Праздник проходит в виде карнавала. Художник нарисовал двух людей, которые переоделись в Пьеро и Арлекина для выступления на карнавале.
Пьеро и Арлекин – самые популярные карнавальные персонажи. Придумали их в Италии много лет назад. Ещё когда не существовало театров. А были лишь бродячие актёры и уличные представления.
Ещё с тех времен и Пьеро, и Арлекин имеют свои характеры. Пьеро – чувствителен и печален. К тому же он неловкий – все у него валится из рук. Этим он часто вызывает насмешки у его вечного соперника, Арлекина. Тот, наоборот, ловкий, удачливый и высокомерный.
Их костюмы также подчёркивают их характеры. Пьеро всегда носит мешковатый, белый костюм с большими пуговицами и чрезмерно длинными рукавами.
Арлекин же одет в яркий костюм с красно-черными ромбами. Он очень идёт его бойкому характеру.
Именно такими Пьеро и Арлекина изобразил художник Сезанн. Пьеро неуклюже переступает позади. А Арлекин горделиво вышагивает впереди.
Какого цвета костюм Пьеро на картине?
Если отойти достаточно далеко от картины, то кажется, что белый. Но если подойти ближе, то ты увидишь, что Сезанн использовал далеко не только белую краску. Складки прорисованы синим и зеленым цветом.
Видишь что-нибудь необычное в позе Пьеро?
Он вытянул руку и кулаком тычет в спину Арлекина. Возможно, он в очередной раз выслушал от него колкое замечание. Но побоялся показать кулак прямо в лицо Арлекину. Ведь он слишком труслив. Поэтому показывает кулак ему в спину, исподтишка.
Кстати, Сезанн не любил театров и карнавалов. Он был угрюмым и молчаливым человеком. Но написал карнавальных героев, так как театром увлекался его сын.
В костюме Арлекино ему и позировал его сын. А в костюме Пьеро – друг сына.
Пабло Пикассо. «Старый еврей с мальчиком»
Героев картины — слепого старика и мальчика — Пикассо писал с реальных нищих, которых видел на улицах Барселоны. В 1904 году картину «Старый еврей с мальчиком» приобрел для своего частного собрания российский меценат Сергей Щукин. После революции его коллекция стала национальной собственностью, и полотно Пикассо вместе с другими полотнами попало в Пушкинский музей.
История музея
Впервые свои двери Пушкинский музей открыл 31 мая 1912 года.
Вдохновителем и первым директором стал профессор Московского университета Иван Владимирович Цветаев. Первоначальная коллекция сформировалась из копий античных скульптур и мозаик университетского Кабинета изящных искусств и подлинных древностей, купленных у известного ученого-египтолога В.С. Голенищева.
Позднее залы пополнились картинами, переданными из других музеев и произведениями искусства из частных коллекций, подаренных или конфискованных после революции. В наши дни в собрании ГМИИ — более 670 000 экспонатов, из них только 1,5% доступны для осмотра.
В ведении ГМИИ им. Пушкина – целый музейный городок, расположенный в историческом центре Москвы около метро Кропоткинская. В него входит несколько зданий, в том числе:
Жан Огюст Доминик Энгр. «Мадонна перед чашей с причастием»
Картина «Мадонна перед чашей с причастием» относится к позднему периоду творчества Жана Огюста Доминика Энгра — французского живописца, представителя классицизма и академизма. Это полотно Энгр создал по заказу наследника российского престола — будущего императора Александра II. По его просьбе художник, помимо Мадонны, изобразил на картине святых Александра Невского и Николая Угодника, которые считались покровителями самого цесаревича и его отца Николая I.
На образ Мадонны живописца вдохновили работы его любимого художника Рафаэля Санти. В своих картинах он придерживался рафаэлевских принципов композиции, освещения, пропорций и цветовой гаммы.
На полотне «Мадонна перед чашей с причастием» расположение предметов на столе совпадает с положением персонажей. Марии соответствует чаша с просфорой — хлебом, который используется в церковных таинствах. Справа и слева от нее расположены два подсвечника с горящими свечами — они олицетворяют святых.
5.Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. Зал 16.
Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Арль – это небольшой городок во Франции. Это южный город, поэтому здесь много солнца и зелени. Поэтому Ван Гог сюда приехал, чтобы найти яркие краски. Ему это удалось. Посмотри, какая красочная картина.
Картины называется “Красные виноградники”. Но на самом деле листья винограда обычные, зеленые. Просто в лучах заходящего солнца Ван Гог наблюдал оптический эффект. Листья как будто стали красными.
Происходило это осенью, во время сбора урожая винограда. Поэтому мы видим на картине и его сборщиц. Это женщины ближайших окрестностей.
Эта картина написана техникой импасто. Посмотри, как густо нанесена краска. Все мазки отчетливо видно. Особенно при написании солнца и неба вокруг него. Такая густая краска выглядит еще ярче. Кажется, что солнце раскалено. Как будто обожжешься, если до него дотронешься.
Картина известна тем, что это единственная работа, которая была продана Ван Гогом за приличные деньги. Картину купила бельгийская художница Анна Бош. Она тетя того самого Лютвина фон Боша, который создал компанию по производству бытовой техники Бош (Bosch).
Купила она её за 350 франков. Если переводить на наши деньги, то получается где-то 300 тыс. рублей. Это как 30 самых дорогих наборов Лего “Звездные воины” или 100 Барби!
Тогда для Ван Гога это были огромные деньги. Ведь до этого ему удалось продать всего лишь 20 своих картин за более скромные деньги.
Сейчас картину оценивают гораздо дороже: в 90 миллионов долларов. Это как 10 частных самолетов. Картины Ван Гога – самые дорогие в мире картины.
Анна Бош продала через какое-время картину. Её купил русский коллекционер и увёз в Россию.
О шедеврах Пушкинского музея также читайте в статье “7 шедевров Пушкинского музея, которые стоит увидеть”.
Если же вы уже искушённый любитель живописи и планируете пойти в Пушкинский НЕ в первый раз, вам может понравиться статья о менее раскрученных шедеврах Пушкинского музея: “7 картин Галереи искусства Европы и Америки”.
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
других читателей
смотрите ниже
. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Клод Моне. «Сирень на солнце»
Знаменитый французский импрессионист Клод Моне начал работать над картиной «Сирень на солнце» весной 1872 года. Он писал это небольшое полотно с натуры в саду своего дома, в предместье Парижа Аржантей. Под цветущим кустом на картине видны две женские фигуры: для одной из них художнику позировала его жена Камилла.
Моне намеренно не стал прописывать на картине мелкие детали: соцветия сирени, черты лиц, складки одежды. Для него, как и для большинства импрессионистов, гораздо важнее было запечатлеть игру света и тени, блики, сочетания цветов, которые передали бы общее настроение пейзажа.
Картину дважды выставляли в галерее французского коллекционера Поля Дюран-Рюэля. В 1899 году ее купил Сергей Щукин. «Сирень на солнце» стала первой импрессионистской картиной, которая попала в Россию.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Жанны Самари. Зал 11.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Эта картина Ренуара – скорее впечатление художника о Жанне Самари, нежели портрет реальной девушки. В жизни она была не так красива. Но была обаятельна и смешлива. Ренуару она очень нравилась, и он приукрасил её черты.
Эту картину нужно рассматривать издалека. Если к ней подойти слишком близко, то вместо девушки мы увидим набор разноцветных мазков.
Когда Ренуар создал этот портрет, не все люди поняли такую технику рисования. Ведь тогда портреты были вместо фотографий. Поэтому ценились детали и четкие линии.
Когда картину показали на выставке, некоторым она не понравилась. «Ее руки словно покрыты рыбьей чешуей!», говорили они.
Другие, наоборот, называли картину вкусной: «В блюдо из красок входит ваниль, красный крыжовник и фисташки. Этот портрет можно есть ложкой!”
Жанне Самари на этом портрете 20 лет. Она уже добилась успеха в театре. Сам Ренуар не любил театр. Поэтому на портрете нет никаких театральных атрибутов.
Зато он использовал на картине необычное сочетание розового и зеленого цветов. Такое сочетание во времена Ренуара не использовали.
Это сейчас таких цветов полно в глянцевых журналах. А в 19 веке это было слишком красочно для портрета.
Уже после создания этого портрета в Жанну Самари влюбился молодой человек из богатой семьи. Его отец был против брака с актрисой.
Несмотря на протест семьи, они поженились. Никто из родных жениха на свадьбу не пришёл. У них родилось 2 дочери. Они пошли по стопам матери. Обе стали актрисами.
Жанна Самари умерла рано, в 32 года. Она заболела брюшным тифом. Тогда ещё не было антибиотиков и девушку не смогли спасти.
Этот портрет остался у её мужа и провисел всю жизнь в его доме. После его смерти картину купил русский коллекционер. Так картина и попала в Россию.
Эдвард Мунк. «Белая ночь»
Полотно Эдварда Мунка «Белая ночь» известно и под другим названием — «Девушки на мосту». Художник написал его в небольшом норвежском городке Осгардстран, куда часто приезжал на лето. Именно в это время года в Норвегии начинается сезон белых ночей, когда солнце почти круглые сутки не заходит.
Картина написана в духе модерна — самого популярного стиля начала ХХ века, который охватывал не только живопись, но и литературу, архитектуру и другие сферы искусства. В отличие от многих других работ Мунка, например его самого знаменитого полотна «Крик», в «Белой ночи» нет напряженных и мрачных мотивов, которые художник постоянно воплощал на холсте после разрыва с возлюбленной Туллой Ларсен.
Один из вариантов полотна «Белая ночь» был продан на аукционе Sotheby’s за 54 миллиона долларов и стал самой дорогой работой Мунка после «Крика».
Автор: Ирина Кирилина
Клод Моне. Бульвар Капуцинок. Зал 14.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Это картина “Бульвар Капуцинок” Клода Моне. Он жил во Франции более 100 лет назад. Поэтому на картине вместо разноцветных машин – чёрные экипажи с запряженными лошадьми. А мужчины носили цилиндры – высокие шляпы. Тоже чёрные.
Ты видишь толпы людей на картине?
Если отойти от картины достаточно далеко, на 5-7 шагов, то мы видим много людей. Они гуляют по бульвару.
Если же подойти близко к картине, то окажется, что это не люди, а мазки краской. Короткие-длинные. Синие- серые-красные.
Так рисуют импрессионисты. Чтобы запечатлеть происходящее, художнику нужно работать быстро. Поэтому детали уже не важны.
Картина написана в 1873 году. Прошло всего 34 года, как была сделана первая в мире фотография. Поэтому фотоснимки сильно интересовали художников – импрессионистов.
Некоторые особенности фотосъёмки они переносили на свои картины.
Посмотри, чем картина похожа на фото?
Справа нарисованы двое мужчин на балконе. Они смотрят на бульвар. Они полностью не умещаются в картину. Их фигуры “срезаны”, как на фотографии. Будто кто-то сфотографировал бульвар из окна. А эти мужчины случайно попали в кадр.
Бульвар Капуцинок – это одна из самых известных улиц Парижа. Пройдёт 22 года, и именно на этой улице покажут первое в мире кино!
Первые кинозрители увидели 10 коротких двухминутных фильмов. В том числе – первую комедию “Политый поливальщик”. Эти фильмы сняли и показали братья Люмьер. Они – первые в мире режиссеры.
Сейчас этот бульвар тоже является излюбленным местом для прогулок. Здесь можно встретить и кинозвёзд, и знаменитых моделей.
На картине виден Гранд Отель. В нем любил останавливаться в Париже русский коллекционер Иван Морозов. Он и приобрёл эту картину в Париже. Так она попала в Россию.
